Что такое Видеомонтаж

Видеомонтаж – это нечто среднее между работой и творчеством. Потому что с одной стороны есть заказчик, который хочет динамичный ролик с красивыми переходами и прочими спецэффектами, а с другой – некоторая свобода действий тоже остаётся. Но в стремлении к творческой самореализации нужно соблюдать границы. Ценители экспериментального монтажа тоже есть, но их не так много, как хотелось бы.

И мы расскажем о том, какие базовые основы видеомонтажа нужно соблюдать, чтобы у вас получались красивые и интересные ролики, которые приятно смотреть.

Лучше быть профессионалом в одной программе, чем любителем в нескольких.

Совершенно не важно, какую программу для видеомонтажа вы используете. Работать можно и в Adobe Premiere Pro, и в Sony Vegas, и в DaVinci Studio, и даже – для любителей чего-то попроще – в редакторе Movavi. Главное – досконально изучить функции программы, а не переключаться между разными решениями, если вдруг какая-то фича слишком сложна для использования.

Если вы будете всё время практиковаться в одной и той же программе, рано или поздно вы станете её профессиональным пользователем, и ни одна из фич не будет слишком сложной.

Изучите теорию перед практикой

Чтобы стать хорошим видеомонтажёром, вам обязательно потребуются теоретические знания о том, как устроено и работает видео. Чем форматы отличаются от контейнеров, какую развёртку лучше использовать, какие фреймрейты сейчас распространены шире всего и в каких сферах.

Видео для YouTube значительно отличается от видео, которое нужно показывать на телевидении. И часто эта разница указывается уже в техническом задании. Например, если вам потребуется смонтировать ролик для регионального телеканала, то заказчик может потребовать NTSC 625/50 ABR 1080i 8-bit H.264, и эти цифры с буквами не должны вас пугать. А студия озвучки сериалов попросит, наоборот, H.265, потому что место на жёстких дисках не бесконечное.

Не стоит делать длинные кадры

Длинные кадры – когда продолжительность одной сцены составляет более 5 секунд – хороши разве что в фильмах Дени Вильнёва и других режиссёров, которые балансируют на грани между арх-хаусом и мейнстримом. Ну ещё в разговорных видео. Но всё равно возникает лёгкий дискомфорт, когда сцена не меняется в течение очень длинного времени. Даже YouTube-блогеры вроде Wylsacom, которые могут всё видео просидеть на одной точке, что-то рассказывая, и то иногда меняют план или ракурс съёмки.

Соблюдайте естественный переход крупности при монтаже кадров

А.Г. Соколов, автор книги «Монтаж: телевидение, кино, видео», выделяет шесть видов планов по крупности:

  • 1. Детальный. Кадр крупно выхватывает часть человеческого тела или какого-нибудь объекта. Например, если в сцене только глаза с бровями и переносицей – это детальный план;
  • 2. Крупный. В кадре – лицо человека полностью или какой-нибудь объект целиком. Сверху и снизу должно оставаться немного пространства;
  • 3. Первый средний. Применим в основном к кадрам с людьми. Тело человека «обрезано» по пояс. К слову, не стоит «резать по суставам», это выглядит жутко;
  • 4. Второй средний. Также применим в основном к кадрам с людьми. Тело человека «обрезано» по колени;
  • 5. Общий. Человек или объект сняты так, что полностью находятся в кадре, и сверху и снизу них есть немного пространства;
  • 6. Дальний. Человек или объект сняты так, что занимают до 1/7 части кадра по высоте.

Для естественного перехода планы нужно чередовать. То есть правильное направление такое: детальный ↔ первый средний ↔ общий ↔ дальний или же детальный ↔ крупный ↔ второй средний ↔ дальний. Примерно так же работает человеческий глаз, когда следит за объектами.

Напротив, если хочется продемонстрировать какой-нибудь невероятно эффектный монтажный приём, вывести зрителя из состояния комфорта и расслабленности, впечатлить или испугать, то можно двигаться в совершенно рандомном порядке планов – от детального к дальнему или от общего к крупному. Но не стоит злоупотреблять с этим. Уже после такого перехода зрителю нужно немного «отдохнуть» и осознать увиденное.

Игры с переходом центра внимания.

Предположим, вы монтируете видео, на котором какой-то человек что-то рассказывает. И нужно сделать соединение сцен. Есть два варианта – естественный и противоестественный.

Проведите через лицо человека воображаемую вертикальную ось. Это – центр внимания. Если хотите сделать естественную склейку – то в следующей сцене сдвиг центра внимания должен составлять не более 30% по горизонтали кадра.

Но можно сделать и противоестественную склейку. В этом случае сдвиг центра внимания составляет более 30% по горизонтали кадра. Противоестественные склейки раньше очень широко использовались YouTube-блогерами, такими как Стас Давыдов, Макс Голополосов или Руслан Усачев. Они «скакали» из края в край кадра, не позволяя внимательно следить за их речью и создавая иллюзию «клиповой» нарезки.

Однако учтите, что сейчас все они отказались от «скачков».

Расстановка переходов.

Переход – это визуальный эффект, который размещается между сценами для плавного или акцентного переключения. Если вы смотрели хоть одного YouTube-блогера с более-менее качественным продакшеном, то знаете, что это такое.

К использованию переходов нужно отнестись максимально ответственно. По сути, они – как знаки препинания в тексте. Переходы ставятся там, где логически завершается одна мысль и начинается другая. Если разместить этот спецэффект неудачно, зритель окажется озадачен.

При этом длина мысли может быть любой. Какой-нибудь Артемий Лебедев может себе позволить делать по три перехода в минуту. Его мысли вполне укладываются в короткие фразы по типу «Ну умер и умер, чего бухтеть-то».

Не стесняйтесь использовать маркеры.

Монтаж видео – это работа не пяти минут. Труд на каким-нибудь особенно большим проектом может растягиваться на дни и недели, требовать привлечения коллег и других специалистов. Маркеры – это отметки на таймлайне, которые можно совместить с комментариями.

К примеру, монтируя видео, состоящее из множества клипов (скажем, обзор фильма), отметки можно делать в местах, где планируется вставить ролик из другого источника, переход, спецэффект, анимацию, статичную картинку и так далее. Маркеры можно раскрашивать в разные цвета, что упрощает продолжение над работой.

Предположим, вы монтируете интервью. Сначала разрезаете полученный видеофайл на клипы определённой продолжительности. Затем размещаете их на таймлайне. Делаете маркеры в тех местах, где требуется добавить переход. Отправляетесь отдыхать. Возвращаетесь и вставляете переходы.

Работа с цветокоррекцией.

Камеры не умеют «распознавать» цвет. К примеру, мы можем смотреть на дерево в закатном свете и всё равно понимать, что его листья – зелёные. А вот для камеры они будут фиолетовыми. И в итоге на отснятом видео будет казаться, что это дерево привезли с другой планеты и вообще за окном осень, особенно если зритель не видит ничего, указывающего на то, что в кадре вообще-то закат.

Цветокоррекция призвана исправить этот дефект, сделав цвета более естественными или даже изменив атмосферу кадра. Чтобы правильно подбирать оттенки, нужно изучить теорию цвета. В каждой из программ есть несколько инструментов цветокоррекции. А наиболее продвинутые – в DaVinci Resolve.

При цветокоррекции обращайте внимание на белый. Он обязан быть белым. И не злоупотребляйте. Неудачную цветокоррекцию легко распознать, даже если зритель и вовсе этого термина ни разу не слышал.